Crítica: Juego de Tronos [TV]

Aceptemos que la HBO tenía una difícil, dificilísima tarea por delante. Plasmar en pantalla el vasto mundo y los carismáticos personajes nacidos de la mente de George R.R. Martin requería, no solo de una importantísima inversión económica, sino de un cuidado y laborioso trabajo de casting, dirección artística y postproducción. A pesar de que la compañía de televisión parte con un admirable currículum con series en su haber de magnífica factura como Hermanos de Sangre, Los Soprano, Deadwood o True Blood, el desafío era innegablemente grande.

El resultado, puedo afirmar sin duda, es innegablemente sublime.

Juego de Tronos (A Game of Thrones) es, para quien no lo sepa, el primero de los volúmenes que componen la saga de fantasía Canción de Hielo y Fuego (A Song of Ice and Fire) y el título que da nombre a la serie de televisión basada en dicha saga producida por la HBO. Siete son los volúmenes que componen esta enorme historia de los cuales únicamente han visto la luz cuatro de ellos, con el quinto libro a punto de ser publicado en USA y el Reino Unido. Ganadora de varios premios de fantasía, traducida a 18 idiomas (el español entre ellos), y líder de ventas en Estados Unidos con más de 2 millones de ejemplares vendidos, Canción de Hielo y Fuego es una espectacular obra madura y cruel en la que cada capítulo que la compone está narrado desde el punto de vista de alguno de los muchos personajes que la pueblan, historias que se entrecruzan formando una compleja y emocionante trama que atrapa y engancha al lector. Tantos son los personajes que pueblan la saga que cada libro cuenta con un extenso e imprescindible apéndice para ayudar al lector desenvolverse en la densa maraña de nombres, apodos y Casas tejida por Martin.

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Crítica: El Secreto de sus Ojos

Aún después del obligado segundo visionado, esta vez en DVD, de la maravillosa producción argentina que es El Secreto de sus Ojos, sigo sin tener claro donde exactamente reside su secreto. Ese secreto que distingue las grandes películas de las obras maestras. No estoy seguro de si está en su magnífico guión repleto de sutiles detalles que invitan a aquel segundo visionado del que os hablaba, en la excelente dirección de la obra con la elección de algunos planos tan inusuales como efectivos, en el impecable trabajo de los actores que potencian la credibilidad de la historia, en la precisa y elegante mezcla de géneros, en la sensibilidad que emana de sus fotogramas, o en el exquisito acabado que da forma a todo el conjunto.

Poco importa.

El Secreto de sus Ojos es la cuarta película en la que coinciden Ricardo Darín y Juan José Campanella después de El Hijo de la Novia, El Mismo Amor, La Misma Lluvia y Luna de Avellaneda y es, además, la que les ha valido a ambos un Óscar a la mejor película de lengua no inglesa y dos Goyas de la Academia de las Artes: uno a la mejor película hispanoamericana y otro -merecedísimo- a la mejor actriz revelación. Dos premios que, a juzgar por el resultado, saben a poco.

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Crítica: El Acantilado Rojo

Hizo falta China para devolvernos al mejor John Woo que se recuerda en mucho tiempo.

Sin ser especialmente aficionado al género del wuxia, debo decir que mi reencuentro con el que considero el director de cine de acción por excelencia, enmarcado dentro de dicho género, ha sido extraordinario. El Acantilado Rojo supone, sin lugar a dudas, el fin de la larga decadencia de Woo que comenzó a gestarse desde su marcha a Estados Unidos, a pesar de habernos brindado en ella algunos filmes muy entretenidos como Blanco Humano o Cara a Cara. Tras los fiascos Windtalkers o Paycheck, e incluso su breve escarceo por el mundo de los videojuegos con Stranglehold -que, ciertamente, recoge el espíritu de su cine-, el regreso a su país de origen le ha permitido "sanear" y liberar de nuevo todo el potencial que había quedado marchito, y que poco recordaba a aquellas viejas glorias que nos brindó hace tiempo como The Killer o Una Bala en la Cabeza.

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Crítica: Los hombres que miraban fijamente a las cabras

A pesar del muy interesante plantel de actores -entre los que podemos contar a Geoge Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges y Kevin Spacey-, de su divertido trailer que recoge con quirúgica precisión los únicos momentos divertidos de la película, y de su ingenioso y simpático planteamiento supuestamente basado en hechos reales, "Los hombres que miraban fijamente a las cabras" resulta ser un filme condenadamente tedioso, aburrido y con una terrible falta de chispa que únicamente lograr arrancar alguna carcajada en momentos excepcionalmente puntuales -los del trailer, para ser más precisos-. El ingenio en el guión brilla por su ausencia, la dirección resulta bastante mediocre, y el interés que pudiera despertar el desarrollo la trama queda pronto eclipsado por el sopor que invade al espectador en la butaca. Sopor que invita a abandonar la sala antes que seguir perdiendo el tiempo con semejante barbarie cinematográfica.

Pero me estoy precipitando...

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Crítica: Heavy Rain

La fórmula con que el estudio Quantic Dream ha obsequiado en su último producto a los afortunados poseedores de una Playstation 3 es, cuando menos, original e innovadora. Heavy Rain -literalmente "Lluvia Pesada"- es una producción interactiva a medio camino entre el cine y los videojuegos, que bebe de lo mejor de ambos mundos para ofrecer una experiencia estremecedora, intensa, emocionante e inolvidable. Inolvidable, sobre todo, porque el sistema de juego invitar a vivir la experiencia desde el otro lado de la pantalla, haciendo al jugador/espectador cómplice, emocional e intelectualmente, del transcurrir de una trama tensa y cruel.

La historia gira en torno al misterioso "Asesino del Origami", un psicópata que mata a niños con edades comprendidas entre los nueve y los trece años ahogándolos en agua de lluvia. El origen del nombre designado al asesino proviene de que los cuerpos aparecen, entre tres y cinco días después de haber sido secuestrados, con una figura de origami -arte japonés que consiste en hacer figuras con papel- en la mano.

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Crítica: The Road (La carretera)

Si bien no soy aficionado al género post-apocalíptico en sus múltiples vertientes, las excelentes críticas que había escuchado relativas a la novela homónima en que está basada la película The Road -cuya traducción más correcta sería "El Camino"- junto con la relativamente reciente experiencia con el videojuego Fallout de muy similar estética, me animaron a acudir al cine a ver esta superproducción de corte oscura, triste y muy, muy deprimente.

Haciendo gala de una extraordinaria interpretación -que casi seguro le nomine a los Oscar, y si no al tiempo-, Viggo Mortensen da vida a un hombre que recorre, junto con su hijo (Kodi Smit-McPhee), la tierra yerma en que se ha convertido su país y su mundo tras una serie de catástrofes cuyo origen queda poco claro en el argumento de la película. Un difícil camino cuyo único fin es tratar de alcanzar la costa este de Estados Unidos, donde es -sólo- posible que puedan encontrar más supervivientes, comida y terreno más fértil. El viaje es especialmente duro y difícil, pues a la terrible escasez de alimentos y la inestabilidad de la tierra que parece sufrir movimientos sísmicos cada cierto tiempo, se une la esporádica aparición de carroñeros caníbales que sobreviven a costa de supervivientes indefensos que encuentran a su paso. Una búsqueda por una tierra hostil donde la supervivencia es un privilegio reservado a los más fuertes y la frontera entre el bien y el mal se difumina con terrible y desesperanzadora facilidad.

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Crítica: Shutter Island

La falta de costumbre por escribir, provocada principalmente por el fuerte ritmo de trabajo que sufro normalmente en la oficina, acompañado -todo hay que decirlo- por algunos maravillosos videojuegos que he tenido ocasión de disfrutar últimamente, hacen que este blog -vuestro blog- no esté todo lo actualizado que uno desearía. La cosa es que a uno de vez en cuando le vuelve el gusanillo por escribir -ese bicho que cuando uno de verdad lo lleva dentro, puede estar en letargo más o menos tiempo pero nunca muere-, y son esos momentos los que uno tiene que aprovechar para dar rienda suelta a su vena artística. Hoy, es uno de esos días para mí.

Que Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese comparten una química especial en la pantalla es algo que difícilmente el espectador puede poner en duda. El más que demostrado talento de ambos artistas suele traer resultados cinematográficos de notable calidad. A Gangsters de Nueva York, El Aviador e Infiltrados -de las cuales solo he visto la última, una auténtica maravilla del cine negro- se une ahora Shutter Island, un thriller dramático que indaga en la fragilidad de la psique humana.

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Crítica: Avatar

Cuando uno se tira dos meses sin escribir -y no voy a justificar tal conducta, porque he tenido varios días de vacaciones que no he aprovechado únicamente por falta de ganas-, al volver debería hacerlo con algo que, como poco, levante algo de polémica, por aquello de recuperar el tiempo perdido...y los lectores. Y no digo que la crítica que voy a escribir la haya hecho siguiendo esa premisa -sería un poco ridículo-, pero la sensación que la película me ha transmitido se ajusta bastante a ella.

Me explico.

Todos lo sabíamos. O, mejor dicho, lo imaginábamos. Que James Cameron es un director meticuloso, infalible y de gran talento. Que sabe lo que se hace, y que cuida mucho lo que hace. Así, no era descabellado pensar que su último filme, Avatar, fuera como poco a arrasar en taquilla y, probablemente, a suponer un antes y un después en el mundo del cine. Y es que Avatar es, al menos, visualmente increíble. Un resultado 3D en pantalla no visto nunca antes que exhibe un apartado artístico brillante. Unos decorados y unas criaturas que desbordan imaginación y expresividad, y un mundo -Pandora- que emana vida propia. Una colorista y espectacular fábula de ciencia ficción que amenaza con convertirse en la nueva Guerra de las Galaxias.

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Crítica: Celda 211

A pesar de las -muy justas- alabanzas que había leído y escuchado en diferentes medios respecto a la última película dirigida por Daniel Monzón y que lleva por título Celda 211, lo cierto es que a la hora de acudir al cine a verla, ayer mismo, tenía mis reservas respecto a la misma. Y la principal razón es que, estaréis conmigo, muchas veces la crítica y los medios se vuelcan a favor de una superproducción española solo por el hecho de serlo, al margen de su calidad real en pantalla.

Afortunadamente, este no es el caso.

Con Celda 211, Daniel Monzón puede presumir de hablarle cara a cara a películas como Cadena Perpetua o La Milla Verde -por citar dos de los mejores dramas carcelarios que nos ha dado el cine-, en un excelente y notorio ejercicio de savoir-faire, que dirían los franceses. Y uno no sabe si el mayor mérito reside en el guión, en la magistral actuación de alguno de sus actores como es la de Luis Tosar -sin menospreciar por ello la de Antonio Resines, que tampoco se queda muy atrás-, en la fotografía -que aporta un tono oscuro, muy acorde a la temática de la historia- o en la dirección en sí que imprime un resultado muy sólido al conjunto del filme; pero el caso es que la película es un maravilloso ejemplo de cómo hacer bien las cosas. Y eso ya es decir mucho.

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Crítica: La Princesa Alegría (corto)

A la tercera fue la vencida. Tras el Círculo de Bellas Artes y la Academia de Cine Español -esta última apenas dos horas antes-, ayer a las 20:30 por fin tuve oportunidad de ver acompañado por algunos amigos "La Princesa Alegría", el cortometraje quizá más ambicioso y difícil en la -aún- breve y prometedora carrera de Daniel Utrilla, guionista y codirector del corto junto a Rubén Coca.

Y es que, quizá, debería comenzar agradeciendo a cada uno de los invitados que estuvo en la presentación del corto de ayer: Sara Velázquez, Daniel Utrilla, Rubén Coca e Irene Anula su cercanía y amabilidad con los espectadores y amigos que acudimos al evento. Pasamos un rato realmente divertido. Nos reímos, nos emocionamos, aprendimos cosas -del tipo de cosas que uno no conoce si no está detrás de todo el trabajo que lleva realizar un corto- y, sobre todo, nos divertimos.

No estoy seguro de si es debido al -en mi opinión- extraordinario talento de Dani, a su tenacidad, o a que se ha rodeado de un magnífico equipo de profesionales -amén de la pasión que cada uno de ellos ha puesto en este trabajo-, pero el caso es que "La Princesa Alegría" desborda magia y ternura por todos lados. Desde la magnífica banda sonora que acompaña a la historia -acertadísima y preciosa-, pasando por la fotografía o el desempeño de los actores -donde destaca la labor de Irene Anula en el papel principal, y el de Lourdes San Martín como la preciosa voz en off que narra la historia-, el filme se convierte en una obra conmovedora que, a pesar de tratarse de un cuento, poco tiene de infantil. Por su temática y, sobre todo, por la exquisita sensibilidad con que está tratada -y no diré más, pues no quiero estropear la historia a nadie-. Y aquí es donde uno se da cuenta que cada una de las piezas que componen el rompecabezas llamado "La Princesa Alegría" es como un instrumento dentro de una banda de música: ninguno es prescindible.

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Crítica: La Huérfana

Si algo me llamaba la atención de La Huérfana, la última entrega de terror del llamado género de "niños diabólicos", era el secretismo que ha rodeado al filme por parte de la productora. El secreto que esconde Esther -"A Esther le pasa algo" reza el eslogan español, "There's something wrong about Esther" (que vendría a ser algo así como "Hay algo que no está bien en Esther") reza el eslogan original- se ha intentado mantener a salvo de los impiadosos foros de internet, donde las películas, series, libros y demás material susceptible de ser descuartizado y aireado públicamente, será descuartizado y aireado. No lo duden.

El caso es que debido a este secretismo sumado al hecho de que este género -el de los niños cabr***s- siempre me genera cierta expectación, el interés por la película fue suficiente como para decidir ir al cine a verla, a pesar del actual y abusivo precio de la entrada, que invita muchas veces a disfrutar del cine en la comodidad del hogar -aunque siempre acaba pudiendo conmigo la vena cinéfila-.

La Huérfana nos cuenta la historia de Kate y John Coleman (Vera Farmiga y Peter Sarsgaard respectivamente, en unas interpretaciones bastante correctas), un matrimonio con dos hijos que está atravesando una seria crisis. A pesar de sus problemas, o quizá por culpa de ellos, deciden adoptar un niño, en parte también para ayudarles a superar la pérdida que supuso el aborto natural que tuvo ella hace ya tiempo. En una visita al orfanato del pueblo encuentran a Esther (en un papel genialmente bordado por Isabelle Fuhrman), una niña tímida con un gran talento artístico que consigue rápidamente encandilar al matrimonio, quien decide finalmente adoptarla. Lo que los Coleman ignoran, sin embargo, es que Esther oculta un oscuro y terrible secreto que podría destruir todo cuanto les rodea...

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Crítica: Ágora

Hacía ya tiempo que el joven director Alejandro Amenábar -al que, como algunos ya sabéis, tuve la oportunidad y fortuna de conocer personalmente en la fnac de Callao, en Madrid- no nos ofrecía otra muestra de su trabajo. De su última obra, Mar Adentro, hace ya varios años. Y aunque en su momentó dejé pasar aquella película pues no soy especialmente aficionado a los dramas -y aún sigo sin haberla visto, ni siquiera en DVD, pues tengo la sensación de que debe ser bastante dura-, y también aunque el trailer no me transmitió por decirlo de alguna forma la mejor de las sensaciones, he querido reconciliarme con el director dándole una oportunidad a su Ágora, cine histórico de 50 millones de euros de presupuesto y que narra la caída de Alejandría.

Para poner en antecedentes al lector creo que tendría que comenzar admitiendo que los tres primeros largometrajes de Amenábar: Tesis, Abre los Ojos y Los Otros me parecen soberbios. Desde la realización, pasando por la fotografía, actores, ambientación, música... Amenábar redefinió, sin duda, el concepto de 'thriller' dentro del cine español.

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Crítica: Kill Bill

Con el relativamente reciente estreno de Malditos Bastardos, el último filme de Quentin Tarantino que personalmente me causó una muy grata satisfacción como pudisteis leer en la crítica correspondiente que escribí aquí mismo, estuve viendo este puente Kill Bill en DVD, la anterior película de este controvertido director. Una película que no me había decidido a ver hasta ahora debido a referencias que tenía de ella: mucha sangre y violencia, principalmente.

No sé vosotros, pero a mí la violencia gratuita en la pantalla rara vez me aporta algo como espectador.

Y es que Kill Bill es una mezcla de géneros dividido en dos volúmenes -se dice que por razones comerciales- que rinde homenaje al cine asiático de artes marciales -principalmente proveniente de China-, al anime -dibujos animados japoneses, para el que desconozca el término-, y en menor medida al western, género por el que Tarantino ha admitido siempre una especial admiración. Y aunque en el campo del anime -siempre muy presente dentro de la cultura japonesa- se puede beber de muy diversas fuentes, pues el conjunto de obras dentro del género es tan sumamente amplio y variado como el del cine que convendría hablar más de un conjunto de géneros que de un género en sí -como drama, comedia romántica, comedia juvenil, terror, acción, ciencia ficción, erótico...-, el director ¿admira? y homenajea la vertiente más extrema y violenta de este medio -y la que menos me gusta, por cierto-, donde las decapitaciones, desmembramientos y la sangre manando a borbotones están a la orden del día. Una influencia que se deja ver a lo largo de todo el volumen 1 (dejando el volumen 2 para acercarse más al cine de artes marciales), donde podemos ver un flashback rodado enteramente en animación, o varias escenas de combate con espadas -estas ya imagen real- que emulan esa violencia sin pudores de la que os hablaba.

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Crítica doble: REC y REC 2

Con el reciente estreno de la segunda parte de REC, el fenómeno de terror en primera persona cortesía de Jaume Balagueró y Paco Plaza que cautivó a millones de espectadores en toda España, propiciando incluso su correspondiente remake americano llamado "Quarantine" (Cuarentena), me animo a escribir una crítica sobre las dos entregas de este filme. Un ilustrativo ejemplo de cómo hacer dinero aprovechando el tirón de lo que fue un buen producto, echándolo a perder en el camino.

Ante todo, me gustaría aconsejar al lector que haya visto la segunda parte de la saga pero no la primera -que me imagino que los habrá- que no deje que ese filme comercial y vacuo le cause una opinión equivocada de lo que fue una muy correcta y terrorífica primera parte. El enorme conjunto de incoherencias en su desarrollo y la pobre actuación de sus actores podría llevarle a la desafortunada conclusión de que REC -1- fue más de lo mismo. Y no es así.

Pero empecemos por el principio: como decía, REC es un filme en primera persona -esto es, narrado desde el punto de vista de alguno de los personajes de la película que, cámara en mano, nos hace testigos y partícipes de todo cuanto acontece a su alrededor- como lo fue "Monstruoso" de J.J. Abrams o "El Diario de los Muertos" de George A. Romero. En la cinta, ambientada en Barcelona, una pareja de reporteros -donde la presentadora es interpretada por una muy sexy Manuela Velasco-, que está grabando un programa de sucesos estilo "Madrid Directo", acompaña a un equipo de bomberos durante la noche para presenciar cómo realizan su trabajo. Durante la ronda, el grupo de bomberos recibe una llamada de auxilio de una casa donde vive sola una anciana. Cuando el grupo se interna en el portal y entra en el apartamento, descubre que la emergencia resulta ser mucho más peligrosa de lo que nadie imaginaba, y el terror se desata en todo el edificio...

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Crítica: La Criatura Perfecta

Uno de los regalos recibidos en mi reciente cumpleaños (aparte de una licuadora, una fondue, un juego de café, algunos blu-ray interesantes como El Curioso Caso de Benjamin Button o Una Historia de Violencia, un juego de cartas, e incluso un bonito delantal para seguir haciendo mis pinitos en la cocina) fue el DVD "La Criatura Perfecta", un filme fantástico de ambientación oscura (con reminiscencias steampunk) y origen neocelandés que redefine el concepto del vampiro para contar una historia original y diferente:

En un mundo parecido al nuestro, los vampiros (llamados "Hermanos") son el resultado accidental de la experimentación genética. Una raza con capacidades sobrehumanas que ha aprendido a convivir en paz con los humanos. Sin embargo, el frágil estatus peligra gravemente cuando uno de los miembros de La Hermandad decide quebrantar las normas...

Que nadie se venga a engaños. Aunque partiendo de un interesante planteamiento -que podría dar lugar, a mi entender, a una historia con más posibilidades-, el filme goza -casi presume- de un conjunto de profundas imperfecciones que contrastan con su título. La pésima calidad de los actores y una realización bastante mediocre (que no logran salvar ni los decentes efectos especiales que más que adornar, maquillan el conjunto) logran al final un producto soso, aburrido y lleno de sobreexplotados clichés, ideal para acompañar la siesta de una sobremesa de domingo.

Entendedme, que yo el regalo lo agradezco mucho -lo que importa es el detalle-. Pero si hubiera sido un poco mejor, tampoco hubiera estado mal...


Mi puntuación en IMDB: 3

Crítica: Malditos Bastardos

Tercera crítica sobre otra película de la Segunda Guerra Mundial desde que volví de Berlín. Esta vez le ha tocado el turno a "Malditos Bastardos" ("Inglorious Basterds" en su título original), una historia de ficción protagonizada por Brad Pitt, Christoph Waltz y Mélanie Laurent (entre otros) sobre la supuesta venganza de un grupo de judíos -apodados Los Bastardos- al movimiento nazi.

Cabría señalar antes de continuar que comparar Pulp Fiction con Malditos Bastardos es un error. Primero porque las comparaciones siempre son odiosas, y segundo porque aunque ambas estén escritas y dirigidas por Quentin Tarantino, la última obra del polémico creador de Kill Bill, Reservoir Dogs o Death Proof bebe de varias fuentes -como la propia Pulp Fiction o el cine de Sergio Leone; no en vano la banda sonora del filme corre a cargo de Ennio Morricone- para a su vez alejarse de ellas buscando su propia identidad, que viene cargada de fuerza, tensión, humor y carisma. Carisma como el del villano de la película, el coronel Hans Landa, cuya presencia en pantalla resulta tan rompedora e impactante (a mí, por lo menos, me parecio con diferencia lo mejor de la película) que uno no se extraña de que su intérprete, Christoph Waltz, se haya llevado un premio por su papel en el reciente festival de Cannes.

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Crítica: District 9

Seguro que a nadie le han pasado desapercibidos los mensajes de advertencia que han aparecido últimamente repartidos por todo Madrid (e, imagino, por otras ciudades de España), que anuncian la prohibición de usar determinados servicios públicos a los entes extraterrestres que ficticiamente habitan entre nosotros. En la misma calle Preciados, por ejemplo, enfrente de la fnac, podemos ver un cartel que reza "Zona peatonal sólo para humanos", así como en varias estaciones de metro donde he podido ver otro similar que dice "Andenes sólo para humanos". Y aunque los responsables de esta campaña de marketing aquí en España se hayan tomado algunas licencias creativas con respecto a la misma -pues se trata de una campaña similar a la que se llevó a cabo en Estados Unidos a gran escala-, con la inclusión de mensajes de advertencia que poco o nada tienen que ver con el argumento de la película cuya atención tratan de captar (como "Tu jefe puede ser un alienígena. ¡Denúnciale!", mensaje que uno se queda con ganas de colgar en el tablón de anuncios de la oficina), creo que se trata de una licencia perdonable en pro de favorecer el interés por una película de ciencia ficción que, sobre todo, habla sobre la violencia, la intolerancia y los prejuicios racistas.

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Crítica: Up

Con sutil y hábil ingenio, Pixar va ofreciendo un cine de animación cada vez más maduro, que hace tiempo que dejó atrás ese enfoque infantil para hablar al adulto de tú a tú. Si hace apenas un año nos deleitaba con la maravillosa Wall-E (cuya crítica puede leerse en este mismo blog), de una sensibilidad mucho más allá de lo que un niño es -o suele ser- capaz de captar delante de la pantalla, y antes de ella tuvimos a Ratatouille (de nuevo, también comentada aquí) que, aunque mucho más ingenua ya apuntaba maneras narrando las aventuras de un ratón que soñaba con la -alta- cocina, ahora debemos volver a quitarnos el sombrero ante Up, una fábula muy humana con la que resulta difícil no emocionarse.

La historia nos habla de Carl Fredricksen, un anciano solitario que ha perdido recientemente a su esposa. Embargado por la tristeza, decide llenar su casa de globos y emprender un imposible viaje a América del Sur, lugar en el que ella soñaba vivir algún día. Lo que prometía ser un viaje en soledad, acompañado tan solo de sus recuerdos, se ¿complica? con la aparición de Russell, un joven explorador lleno de infatigable optimismo y ganas de aventura.

Con una ternura más allá de lo que puedo plasmar en estas líneas, Up logra llegar al espectador con una película colorista -en todos los sentidos-, divertida, positiva y auténtica (al menos, todo lo auténtica que puede ser una fábula como esta con la que nos encontramos). Una verdadera joya que toca -más que tocar, mima- el corazón. ¿Se puede pedir más?


Mi puntuación en IMDB: 9

Crítica: Valkyria

Durante el desarrollo de la Segunda Guerra Mundial (sí, seguimos con el tema), los nazis habían ideado un plan de contingencia para el caso de que se produjera una revuelta civil dentro de Alemania durante el conflicto armado. A este plan, aprobado por Hitler, se le conoció como Operación Valkyria, y sería posteriormente modificado y utilizado por un grupo de rebeldes dentro del ejército nazi para tratar de asesinar a Hitler y hacerse con el control del gobierno el 20 de julio de 1944.

Como todo lector sabrá obviamente, el plan fracasó y los rebeldes fueron posteriormente arrestados y ejecutados. Sin embargo, hoy en día a aquellos insurgentes se les recuerda como héroes. Y, como no podía ser de otra manera, Hollywood ha llevado a cabo de la mano de Tom Cruise y Bryan Singer la adaptación cinematográfica de aquel difícil e histórico golpe de estado contra el ejército nazi. Si bien no me fue posible asistir al estreno en cine de esta película, no he perdonado su salida en blu-ray -el cual, por cierto, adquirí en Alemania como recuerdo del viaje- que, contra viniendo mis expectativas (afortunadamente), deja de lado la espectacularidad y acción hollywoodiense para tratar de dar un enfoque fiel a los hechos narrados, a costa del ritmo de la película. El resultado final, a mi juicio, merece la pena.

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Crítica: El Pez Gordo

Ayer por la tarde asistí a la representación de "El Pez Gordo", una comedia teatral interpretada por Helio Pedregal, Toni Cantó (en un brillante papel, por cierto) y Bernabé Rico que, lejos de quedarse en la vacua e insustancial carcajada -motivada, ciertamente, por sus ingeniosos diálogos-, sumerge al lector en reflexiones más profundas de las que uno podría esperar cuando va a ver una obra de estas características -sensación que me embargó también cuando fui a ver, por ejemplo, la película Click de Adam Sandler-. Reflexiones acerca de la vida, la muerte, los aceites lubricantes y Dios. Y es que, es verdad, no hace falta tener una plaquita identificativa y un nombre de empresa detrás para comportarse como un comercial, no importa el producto que uno trate de vender.

Veamos: la historia trata sobre tres agentes de ventas: Phil, Larry y Bob, que se reunen en una pequeña habitación de hotel en Wichita donde celebran una fiesta con objeto de captar al Pez Gordo, un importante hombre de negocios que podría asegurarles un contrato multimillonario para su empresa. Por si las complicaciones del propio trabajo no fueran pocas, las profundas creencias religiosas de Bob comienzan a crear conflictos entre los personajes -debido, en gran medida, al fuerte carácter de alguno de ellos-, y a complicar el éxito de la empresa.

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